Художники, скитальцы, бунтари!

«Бунт четырнадцати»
Во второй половине XIX века − в противовес ложноклассическому искусству, насаждаемому императорской Академией художеств, − все отчетливее стало заявлять о себе искусство демократическое. В 1863 г. в Академии произошел бунт четырнадцати воспитанников, которые должны были состязаться между собой за право обладания большой золотой медалью. Молодым художникам оказались неугодны навязываемые им нормы и правила. Недовольные академической системой и рутиной обучения, они требовали свободы самовыражения. Однако студентов постоянно ставили в определенные рамки: они даже не имели права самостоятельно выбрать тему дипломной работы, − ее обязательно утверждал Совет Академии. Писать же разрешалось только на религиозные либо на мифологические темы, которые были весьма далекие от реальной жизни… «Все это спровоцировало то, что четырнадцать будущих выпускников отказались готовить конкурсную работу на заданную тему и вышли из стен Академии, − рассказывает старший научный сотрудник Чайковской художественной галереи Наталья Шмыкова. − Безусловно, поодиночке они были обречены на погибель: молодые художники лишились мастерских и возможности рисовать, находились под негласным контролем, но среди них оказался замечательный организатор, будущий передвижник Иван Крамской. Он сумел объединить «бунтарей» в творческую организацию «Артель свободных художников»».
Организованная в 1863 году, Артель в течение ряда лет являлась в Петербурге своеобразным художественным центром, противостоящим Академии и ее искусству, далекому от запросов жизни, от современной действительности.

По городам и весям
В конце 1869 года московские художники Григорий Мясоедов, Василий Перов, Владимир Маковский, Илларион Прянишников, Алексей Саврасов предложили петербургской Артели объединиться и создать новое общество. Так в 1870 году появилось «Товарищество передвижных художественных выставок». Главное, чего сумела добиться эта организация, − устройство самостоятельных выставок и передвижение их по городам России. «Передвижники», как стали называть членов Товарищества, ставили перед собой задачу самой широкой пропаганды искусства и общественно-эстетического воспитания народных масс. Первая такая выставка была организована в 1871 г. Отсюда начался отсчет истории передвижничества в России. Академическое искусство было потеснено демократическим, которое тоже вышло на арену и прекрасно зарекомендовало себя.

В Чайковской художественной галерее передвижникам посвящены первые два зала экспозиции русской живописи конца XIX − начала XX веков. «Самым любимым жанром у художников той поры был жанр бытовой картины, которая всячески порицалась в Академии художеств, − рассказывает Наталья Шмыкова. − Теперь же сюжеты, близкие и понятные простым людям, выходят на первый план. Живописцы стараются максимально приблизиться к народу, даже самые крупные художники обязательно обращаются к сюжетно-бытовой картине. В нашей экспозиции можно увидеть большое полотно Якова Турлыгина «Бедность», работу Фирса Журавлева «За милостыней», копию с картины Владимира Маковского «В приемной у доктора». Кроме того, появляются портреты крестьян, представителей русской интеллигенции – писателей, композиторов… То есть актуальными становятся темы, к которым художники-академисты не обращались никогда».
Изменения происходят и в пейзажной живописи. Если академисты писали вычурную природу зарубежных стран, используя приемы плановости и кулисности, то сейчас начинает преобладать русский пейзаж, родная природа. В экспозиции Чайковской галереи можно увидеть две этюдные работы Ивана Шишкина, на одной из них изображена дорога через лог, на другой – тенистый уголок летнего леса. «Можно сказать, что великий русский художник Иван Шишкин – наш земляк, ведь он родился в Елабуге. Это мастер эпического мировосприятия в пейзаже. Его работы, как правило, панорамные, отражающие образ Родины, − продолжает Наталья Сергеевна. − Все мы знаем его по таким картинам, как «Утро в сосновом бору», «Рожь», «Корабельная роща»… Однако нельзя не сказать о пейзаже лирическом, основоположником которого является художник Алексей Саврасов, автор картины «Грачи прилетели». Его традиции продолжил Николай Дубовской, в нашей галерее находится прелестный, дивный зимний пейзаж, принадлежащий его кисти.
В противовес академизму в творчестве передвижников изображение природы начинает наполняться светом и воздухом − это хорошо заметно в работе Владимира Маковского «Стадо». Если академисты могли что-то сочинять в мастерской, по памяти, то передвижники начали выходить на пленэр, на открытый воздух, наблюдать за природой, игрой света и тени…»

Второй зал экспозиции посвящен передвижникам нового поколения, работавшим в 1890-х − начале 1900-х гг., которые старались сохранить традиции своих предшественников. К описанию крестьянской жизни обращались Абрам Архипов, Сергей Иванов... После столыпинских реформ начала XX века актуальной стала тема переселенчества: речь шла о крестьянах  средней России, которых переселяли за Урал, в Сибирь, на новые земли. В Чайковской художественной галерее есть работа Лукиана Попова «Переселенцы» (мастер создал целый ряд картин на эту тему). В творчестве передвижников нашли отражение и другие социальные проблемы, например, сиротство (в экспозиции можно увидеть полотно Ивана Творожникова «Сирота»), кроме того, развитие получает тема рабочего класса.
«На рубеже веков в работах передвижников появляется тенденция мелкотемья, − рассказывает старший научный сотрудник Чайковской художественной галереи Наталья Шмыкова, − зачастую художники обращаются к анекдотическим сюжетам. Примером может послужить работа Ксаверия Лебедева «Приятели». Это своеобразный вариант русского бидермейера − направления подражательства в искусстве. Работы, написанные в этом стиле, рассчитаны на вкус невзыскательной публики, по сути дела, на потребу».
За более чем полувековую историю передвижничества в выездных выставках успели принять участие практически все известные русские художники: Суриков, Репин, Перов, Крамской, Шишкин, Саврасов, Маковский, Мясоедов, Левитан, Серов и другие. А в 1922 г. знаменитое Товарищество было реорганизовано в «Ассоциацию художников революционной России» (АХРР).

Отраженье минувших эпох
«Начало ХХ века − очень сложный период в русской живописи, − рассказывает Наталья Шмыкова. − В это время появилось огромное количество новых творческих объединений и группировок. Например, в «Союзе русских художников» состояли в основном пейзажисты. Их характеризует совершенно иная манера письма: это пленэрные работы, быстрые, написанные широким, пастозным (от слова «паста») мазком. Мастер в первую очередь пытался сохранить впечатление от увиденного им. Это очень хорошо заметно в работах Леонарда Туржанского и Петра Петровичева, одно из полотен последнего выставляется в нашей экспозиции».

В 1898 г. в Петербурге появилось объединение «Мир искусства», куда вошли люди необычайно высокой культуры (Константин Сомов, Сергей Дягилев, Александр Бенуа, братья Васнецовы, Михаил Врубель, Евгений Лансере, Зинаида Серебрякова, Мстислав Добужинский…). «Душой объединения был Бенуа, − поясняет Наталья Сергеевна. − Кстати говоря, именно он иллюстрировал «Медного всадника» Пушкина, и его работы до сих пор считаются непревзойденными. Многие «мирискуссники» занимались сценографией. Сегодня театры пытаются воссоздать по старым книгам, документам, эскизам классические декорации и костюмы, разработанные Львом Бакстом. Таким образом, современники признают, что ничего выше и лучше этого пока не придумано».
Известный импресарио Сергей Дягилев, наш земляк, очень много сделал для популяризации «Мира искусства» и Русских сезонов за границей. Движение издавало и одноименный журнал, занимавший ведущее место среди литературно-художественных изданий России того времени.
В противовес идеям передвижников «мирискуссники» провозгласили приоритет эстетического начала в искусстве, важность выражения личности творца. Полагая, что современная цивилизация враждебна культуре, участники объединения искали идеалы в прошлом. «На рубеже веков творились непонятные и необъяснимые вещи, − продолжает Наталья Шмыкова, − произошла революция, сменились поколения художников и ориентации в искусстве, появились новые группировки, кружки, объединения, начали открываться первые эпатажные выставки. А в прошлом всё было понятно и спокойно, потому художники стали черпать вдохновение в минувших эпохах. Даже когда Константин Сомов писал портрет своей однокурсницы «Дама в голубом», он дал ей книгу в руки и одел в кринолин XVIII века…»
Художники и писатели в своих картинах и на журнальных страницах открыли российскому обществу тогда мало оцененную красоту средневековой архитектуры и русской древней иконописи, изящество классического Петербурга и окружающих его дворцов, заставляли задуматься о современном звучании древних цивилизаций и заново оценить собственное художественное и литературное наследие.
Художественные выставки, организуемые «Миром искусства», пользовались громким успехом. В 1899 г. Дягилев устроил в Петербурге международную выставку, на которой с произведениями русских художников были экспонированы картины сорока двух европейских мастеров.
В Чайковской галерее среди работ «мирискуссников» можно увидеть лирический пейзаж Аполлинария Васнецова «Парк. Демьяново»».

«Искусство будущего»
В начале XX века в России появились авангардные группы: «Ослиный хвост», «Голубая роза», «Бубновый валет». Они объединили молодых талантливых художников, которые искали новые пути в искусстве и новый живописный язык. На смену классическому искусству пришли нестандартные решения. Авангардистам был свойственен абсолютно иной почерк, мощные цветовые пятна, необычные сюжеты, эпатаж, рассчитанный на современного зрителя. Даже названия группировок и организуемые ими выставки были направлены на то, чтобы эпатировать публику.
Также в начале века возникают новые направления в искусстве, например, футуризм – искусство будущего. В Чайковской галерее находится интересная работа художника Давида Бурлюка, друга Владимира Маяковского. «На картине изображен осенний пейзаж, − комментирует Наталья Шмыкова, − он вполне реалистичен, но вместе с тем стиль работы кардинально отличается от того, что мы видели раньше. Это нагромождение грубых мазков, больших, широких, свободных, пастозных, быстрых… Художник пишет и кистью, и пальцем, растирает мазки, которые отходят от холста где-то на пять, а где-то и на семь миллиметров. В пейзаже великолепно передана атмосфера морозного осеннего утра, сухой листвы, шуршащей под ногами… Мастер превосходно выполнил все поставленные задачи. Однако до конца XIX века невозможно было себе представить, что картину можно писать таким образом. Кстати говоря, это очень редкая работа, поскольку Давид Бурлюк уехал в Америку, и практически все его творческое наследие осталось там».

Несмотря на многочисленные изменения, происходившие в мире живописи, по-прежнему актуальным оставался жанр портрета. Не секрет, что по портретам можно судить о настроении эпохи: в одних работах чувствуется ощущение растерянности, неуверенности перед будущим, а другие, напротив, пишутся по парадному типу.
К парадным портретам относится и полотно кисти Осипа Браза, на котором изображена светская львица Антонина Карзинкина. Осип Эммануилович был талантливым учеником Ильи Репина. В постоянной экспозиции Третьяковской галереи находится его работа − единственный прижизненный портрет Антона Чехова. Именно серия портретов, прежде всего коллег-живописцев и известных деятелей российской культуры, принесла Бразу широкую известность. Работая с Антониной Карзинкиной, художник показал все свое мастерство и дал блистательную психологическую характеристику модели. А когда он писал лицо женщины, то использовал эффект следящих глаз. Потому, даже покидая экспозицию русской живописи Чайковской художественной галереи, вы будете чувствовать, что красавица на портрете провожает вас своим взглядом…